Символизм в России: о чем писали художники направления

18 января 2022

Символизм пришел в русскую живопись позже, чем в европейскую, но проявился очень ярко и концентрированно, повлияв на многих художников. Познакомимся с яркими представителями течения и посмотрим, какие особенности были у символизма в России.

Виктор Борисов-Мусатов: главный русский символист

Многие русские художники прошли через символизм. Но почти ни для кого он не стал магистральной линией творчества. И, пожалуй, единственный в России представитель чистого символического направления — это Виктор Борисов-Мусатов.

Борисов-Мусатов учился в Саратовском училище, затем в Москве и Петербурге — в Академии художеств у Павла Чистякова. Он был педагогом целой плеяды великих русских художников — Васнецова, Врубеля, Поленова, Серова, Сурикова.

Ключевым событием в творческой жизни художника стала поездка в Париж — именно этот город сформировал Борисова-Мусатова как художника. Там он познакомился с творчеством Пюви де Шаванна, который стал его главным вдохновителем. Многие работы Борисова-Мусатова похожи на картины французского художника по колориту, изысканности, странному утонченному настроению.

Борисов-Мусатов любил писать дворянские усадьбы, воспоминания о прошлом, женщин в старинных платьях. На вопросы об изображаемом времени отвечал, что это «красивая эпоха». На многих картинах встречается реальная усадьба Зубриловка неподалеку от Саратова. В 1905 году ее разрушили, и она до сих пор находится в руинах.

Виктор Борисов-Мусатов. «Водоем», 1902 год, Государственная Третьяковская галерея © Public domain

Одним из полотен, которые художник написал в Зубриловке, стал «Водоем». Картина написана в счастливое для Борисова-Мусатова время: его работы пользовались успехом у публики и критиков, а девушка, в которую он был влюблен, согласилась выйти за него замуж.

На картине художник изобразил как раз свою невесту, Елену Александрову, в синем платье, и сестру Елену. Борисов-Мусатов не пытался писать их портреты, а только передать образы молодых девушек. Сама картина отличается поэтичностью и необычностью цветовой палитры. Большое внимание художник уделил природе, при этом весь пейзаж отражается в водоеме.

Объединение «Голубая роза»: вдохновленные Борисовым-Мусатовым

«Голубая роза» — это объединение художников-символистов, которые черпали вдохновение в работах Борисова-Мусатова и Врубеля, стремились в своем творчестве к трансцендентному и запредельному. Ядро объединения составляли саратовские художники: Павел Кузнецов, Петр Уткин, скульптор Александр Матвеев. Всего в «Голубую розу» входили полтора десятка человек, в том числе Мартирос Сарьян, Николай Сапунов, Сергей Судейкин, Николай Крымов.

Главным авторитетом для «Голубой розы» стал Виктор Борисов-Мусатов. Восхищаясь старшим земляком, они позаимствовали его серо-голубые, пастельные, розоватые нежные тона. В 1907 году прошла выставка «Голубая роза», которая и дала название объединению. Тогда же художники нашли мецената — Николая Рябушинского. Он делал дорогие заказы, организовывал выставки, где картины «голуборозовцев» висели рядом с работами Гогена, Ван Гога, Матисса, Ренуара, Майоля — это делало им хорошую рекламу.

К 1910 году манера художников стала меняться. Объединение распалось. Наступала новая эпоха в искусстве, и символизм перестал быть источником вдохновения. Каждый художник начал развивать собственную эстетику.

Сергей Судейкин. «Гулянье», 1906 год, Государственная Третьяковская галерея © Public domain

С символистами объединения «Голубая роза» познакомимся на примере работы Сергея Судейкина «Гулянье». На картине мы видим оживленную прогулку в парке: здесь и офицеры с дамами, и влюбленные, и дети, и животные. По атмосфере и костюмам мы понимаем, что действие происходит в начале 19-го века — символисты любят обращаться к прошлому и создавать на этом материале свой мир, воплощающий некий недостижимый идеал.

Персонажи картины напоминают кукол — это важный мотив не только творчества Судейкина, но и в целом магистральная черта поэтики Серебряного века. Судейкин изображает своих героев даже несколько примитивно, сближая их с русским провинциальным искусством или лубком. Такой подход предвосхищает эксперименты русского авангарда.

В этой работе художник использует технику импрессионистов, которую он позаимствовал у своего учителя Константина Коровина. Однако, в отличие от импрессионистов, символист Судейкин использует необычные цветовые сочетания, которых нет в природе. Это нужно для того, чтобы показать загадочность атмосферы, подчеркнуть театральность происходящего, создать причудливый мир фантазии.

«Мир искусства»: творческие поиски рубежа веков

Объединение «Мир искусства» — яркий пример творческих поисков в русском искусстве рубежа 19–20-го веков. «Мир искусства» появился как небольшое творческое объединение петербургской золотой молодежи. Костяк составляли Александр Бенуа, Константин Сомов, Леон Бакст, Евгений Лансере. Позже к ним присоединились другие молодые художники, идеалы «Мира искусства» также разделяли живописцы старшего поколения — Серов, Коровин, Нестеров.

Участники «Мира искусства» отлично разбирались в европейской живописи. Отец Сомова был хранителем Эрмитажа, Бенуа и Лансере принадлежали к крупным художественным династиям. Они устраивали друг другу лекции и экскурсии. Затем к ним примкнул Сергей Дягилев, и его энергия придала движению новый импульс.

Группа начала издавать одноименный журнал. Он выходил шесть лет и стал рупором модерна и символизма в России: там печатались писатели и поэты, репродукции художников, критические статьи. Много внимания уделялось западному искусству.

«Мирискусники» в творчестве обращались к ретроспекции. Их работы изображали 18-й век, прекрасных дам, прогулки по садам, фейерверки, исторические сцены — камерные, красивые, лирические. Для примера обратимся к картине Константина Сомова «Вечер».

Константин Сомов. «Вечер», 1900–1902 годы, Государственная Третьяковская галерея © Public domain

В этой картине Сомова мы видим уединенную встречу кавалера и двух дам в парке. В полотне чувствуется стройный, церемонный ритм, который передают повороты аркад, чередующиеся плоскости боскетов, почти ритуальные движения дам. Сама природа здесь — будто произведение искусства с чертами стиля 18-го века.

При этом весь четкий ритм и прописанные детали подчеркивают театральность и даже бутафорность происходящего. Герои картины больше напоминают кукол, нежели живых людей, их лица сродни маскам, а выверенные жесты воспринимаются как механистическое движение.

В колорите картины преобладают бронзовые и бирюзовые цвета. Они отсылают к цветовой гамме русского барокко. Вместе все эти детали подсказывают, что Сомов представляет зрителям искусную стилизацию прошлого: не само прошлое, но его эхо, наполненное меланхолической ностальгией.